Стиль импрессионизм: картины известных художников. Импрессионизм в живописи франции Импрессионизм описание стиля

На рубеже 18-19 веков в большинстве стран Западной Европы произошел новый скачок в развитии науки и техники. Индустриальная культура проделала огромную работу по укреплению духовных основ общества, преодолению рационалистических ориентиров и возделыванию человеческого в человеке. Она очень остро ощутила потребность в красоте, в утверждении эстетически развитой личности, в углублении реального гуманизма, предприняв практические шаги по воплощению свободы, равенства, гармонизации общественных отношений.

В этот период Франция переживала нелегкое время. Франко-прусская война, короткое кровавое восстание и падение Парижской коммуны ознаменовали конец Второй Империи.

После расчистки развалин, оставшихся от страшных прусских бомбардировок и яростной гражданской войны, Париж вновь провозгласил себя центром европейского искусства.

Ведь столицей европейской художественной жизни он стал еще во времена короля Людовика XIV, когда были учреждены Академия и ежегодные выставки искусства, получившие названия Салонов - от так называемого Квадратного салона в Лувре, где каждый год выставлялись новые работы живописцев и скульпторов. В XIX веке именно Салоны, где развернется острая художественная борьба, будут выявлять новые тенденции в искусстве.

Принятие картины на выставку, одобрение ее жюри Салона, было первым шагом на пути к общественному признанию художника. С 1850-х годов Салоны все больше превращались в грандиозные смотры произведений, отобранных в угоду официальным вкусам, отчего даже появилось выражение «салонное искусство». Картины, чем-либо не соответствовавшие этому нигде не прописанному, но жесткому «стандарту», просто отвергались жюри. Пресса на все лады обсуждала, какие художники были приняты в Салон, а какие - нет, превращая едва ли не каждую из этих ежегодных выставок в общественный скандал .

В 1800-1830 годах на французскую пейзажную живопись и изобразительное искусство в целом стали оказывать воздействие голландские и английские пейзажисты. Эжен Делакруа, представитель романтизма, привнес в свои картины новую яркость красок и виртуозность письма. Он был поклонником Констебла, стремившегося к новому натурализму. Радикальный подход Делакруа к цвету и его технику наложения крупных мазков краски для усиления формы впоследствии разовьют импрессионисты.

Особый интерес для Делакруа и его современников представляли этюды Констебла. Пытаясь уловить бесконечно изменчивые свойства света и цвета, Делакруа замечал, что в природе они «никогда не пребывают в неподвижности» . Поэтому у французских романтиков вошло в привычку писать маслом и акварелью быстрее, но отнюдь не поверхностные этюды отдельных сцен.

К середине века самым значительным явлением в живописи стали реалисты, возглавляемые Гюставом Курбе. После 1850 г. во французском искусстве на протяжении десятилетия происходило беспримерное дробление стилей, отчасти допустимых, но никогда не одобрявшихся авторитетами. Эти эксперименты толкнули молодых художников на путь, который был логическим продолжением уже возникших тенденций, но публике и арбитрам Салона казался ошеломляюще революционным.

Искусство, занимавшее господствующее положение в залах Салона, отличалось, как правило, внешней ремесленно-технической виртуозностью, интересом к анекдотическим, занимательно рассказанным сюжетам сентиментально-бытового, бутафорски исторического характера и изобилием мифологических сюжетов, оправдывающих всевозможные изображения обнаженного тела. Это было эклектическое и развлекательно-безыдейное искусство. Соответствующие кадры подготавливались под эгидой Академии Школой изящных искусств, где всем делом заправляли такие мастера позднего академизма, как Кутюр, Кабанель и другие. Салонное искусство отличалось исключительной живучестью, художественного опошляя, духовно объединяя и приспосабливая к уровню мещанских вкусов публики достижения основных творческих исканий своего времени.

Искусству Салона противостояли различные реалистические направления. Их представителями были лучшие мастера французской художественной культуры тех десятилетий. С ними связанно творчество художников-реалистов, продолжающих в новых условиях тематические традиции реализма 40-50-х гг. 19 века - Бастьен-Лепажа, Лермитта и других. Решающее же значение для судеб художественного развития Франции и Западной Европы в целом имели новаторские реалистические искания Эдуарда Мане и Огюста Родена, остро выразительное искусство Эдгара Дега и, наконец, творчество группы художников, наиболее последовательно воплотивших принципы искусства импрессионизма: Клода Моне, Писсаро, Сислея и Ренуара. Именно их творчество положило начало бурному развитию периода импрессионизма.

Импрессионизм (от франц. impression-впечатление), направление в искусстве последней трети XIX - начала XX веков, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.

Импрессионизм составил эпоху во французском искусстве второй половины XIX века и распространился затем на все страны Европы. Он реформировал художественные вкусы, перестроил зрительное восприятие. По существу, он был естественным продолжением и развитием реалистического метода. Искусство импрессионистов столь же демократично, как и искусство их прямых предшественников, оно не делает различий между «высокой» и «низкой» натурой и всецело доверяет показаниям глаза. Изменяется способ «смотрения» - оно становится наиболее пристальным и одновременно более лиричным. Выветривается связь с романтизмом, - импрессионисты, также как реалисты старшего поколения, хотят иметь дело только с современностью, чуждаясь исторической, мифологической и литературной тематики . Для великих эстетических открытий им было достаточно самых простых, ежедневно наблюдаемых мотивов: парижские кафе, улицы, скромные садики, берега Сены, окрестные деревни.

Импрессионисты жили в эпоху борьбы современности и традиций. Мы видим в их произведениях радикальный и ошеломляющий для того времени разрыв с традиционными принципами искусства, кульминацию, но не завершение поисков нового взгляда. Абстракционизм XX века родился из экспериментов с существовавшим тогда искусством, точно также новшества импрессионистов выросли из творчества Курбе, Коро, Делакруа, Констебла, а также предшествующих им старых мастеров.

Импрессионисты отбросили традиционные разграничения этюда, эскиза и картины. Они начинали и заканчивали работу прямо на открытом воздухе - на пленэре. Если им и приходилось что-то доделывать в мастерской, они все-таки стремились сохранить ощущение уловленного мгновения и передать световоздушную атмосферу, окутывающую предметы.

Пленэр - ключ к их методу. На этом пути они достигли исключительной тонкости восприятия; им удалось выявить в отношениях света, воздуха и цвета такие чарующие эффекты, каких раньше не замечали и без живописи импрессионистов, наверно, и не заметили бы. Недаром, говорили, что лондонские туманы изобрел Моне, хотя импрессионисты ничего не придумывали, полагаясь только на показания глаза, не примешивая к ним предварительного знания об изображаемом.

Действительно, импрессионисты больше всего дорожили соприкосновенением души с натурой, придавая огромное значение непосредственному впечатлению, наблюдению за разнообразными явлениями окружающей действительности. Недаром они терпеливо ждали ясных теплых дней, чтобы писать на открытом воздухе на пленэре.

Но создатели нового типа красоты никогда не стремились к тщательному подражанию, копированию, объективному «портретированию» природы. В их работах присутствует не просто виртуозное оперирование миром впечатляющих видимостей. Сущность импрессионистической эстетики заключается в поразительном умении сконденсировать красоту, высветить глубину уникального явления, факта и воссоздать поэтику преображенной реальности, согретой теплом человеческой души. Так возникает качественно иной, эстетически привлекательный, насыщенный одухотворенным сиянием мир.

В результате импрессионистического прикосновения к миру все, на первый взгляд, заурядное, прозаическое, тривиальное, сиюминутное трансформировалось в поэтическое, притягательное, праздничное, поражающее все проникающей магией света, богатством красок, трепетными бликами, вибрацией воздуха и лицами, излучающими чистоту. В противоположность академическому искусству, которое опиралось на каноны классицизма - обязательное помещение главных действующих лиц в центр картины, трехплановость пространства, использование исторического сюжета с целью вполне конкретной смысловой ориентации зрителя - импрессионисты перестали подразделять предметы на главные и вторестепенные, возвышенные и низкие. Отныне в картине могли воплощаться разноцветные тени от предметов, стог сена, куст сирени, толпа на парижском бульваре, пестрая жизнь рынка, прачки, танцовщицы, продавщицы, свет газовых фонарей, железнодорожная ветка, бой быков, чайки, скалы, пионы.

Для импрессионистов характерен острый интерес ко всем явлениям обыденно текущей жизни. Но это не означало некую всеядность, неразборчивость. В обычных, повседневных явлениях выбирался тот момент, когда гармония окружающего мира проявлялась наиболее впечатляюще. Импрессионистическое мировоззрение было чрезвычайно отзывчиво на самые тонкие оттенки одного и того же цвета, состояния предмета или явления.

В 1841 г. живущий в Лондоне американский портретист Джон Гоффрэнд впервые придумал тюбик, откуда выдавливалась краска, и торговцы красками Уинзор и Ньютон быстро подхватили идею. Пьер Огюст Ренуар, по свидетельству его сына, говорил: «Без красок в тюбиках не было бы ни Сезанна, ни Моне, ни Сислея, ни Писсаро, ни одного из тех, кого журналисты потом окрестили импрессионистами» .

Краска в тюбиках имела консистенцию свежего масла, идеальна для наложения на холст густыми пастозными мазками кисти или даже шпателя; оба способа использовали импрессионисты.

В новых тюбиках на рынке стал появляться весь спектр ярких устойчивых красок. Успехи химии в начале века принесли новые краски, например, синий кобальт, искусственный ультрамарин, желтый хром с оранжевым, красным, зеленым, оттенком, изумрудную зелень, белый цинк, долговечные свинцовые белила. К 1850-м годам в распоряжении художников оказалась яркая, надежная и удобная, как никогда раньше палитра красок.

Импрессионисты не прошли мимо научных открытий середины века, касавшихся оптики, разложения цвета. Дополнительные цвета спектра (красный - зеленый, синий - оранжевый, лиловый - желтый) при соседстве усиливают друг друга, а при смешении обесцвечиваются. Любой цвет, положенный на белый фон, кажется окруженным легким ореолом от дополнительного цвета; там же и в тенях, отбрасываемых предметами, когда они освещены солнцем, проступает цвет, дополнительный к окраске предмета. Частью интуитивно, а частью и сознательно художники использовали подобные научные наблюдения. Для импрессионистической живописи они оказались особенно важны. Импрессионисты учитывали законы восприятия цвета на расстоянии и, по - возможности, избегая смешивать краски на палитре, располагали чистые красочные мазки так, чтобы они смешивались в глазу зрителя. Светлые тона солнечного спектра - одна из заповедей импрессионизма. Они отказывались от черных, коричневых тонов, ибо солнечный спектр их не имеет. Тени они передавали цветом, а не чернотой, отсюда мягкая сияющая гармония их полотен.

В целом импрессионистический тип красоты отразил факт противостояния духовного человека процессу урбанизации, прагматизму, закрепощению чувств, что приводило к усилению потребности в более полном раскрытии эмоционального начала, актуализации душевных качеств личности и вызывало желание в более остром переживании пространственно-временных характеристик бытия.

Межрегиональная академия управления персоналом

Северодонецкий институт

Кафедра общеобразовательных и гуманитарных дисциплин

Контрольная работа по культурологии

Импрессионизм как направление в искусстве

Выполнил:

студент группы

ІН23-9-06 БУБ (4. Од)

Шешенко Сергей

Проверил:

к. иск., доц.

Смолина О.О.

Северодонецк 2007

Введение

4. Постимпрессионизм

Заключение

Список литературы

Приложения

Введение

Важным явлением европейской культуры второй половины 19 в. был художественный стиль импрессионизм, получивший распространение не только в живописи, но в музыке и художественной литературе. И все-таки возник он в живописи. Импрессионизм (франц. impressionism, от impression - впечатление), направление в искусстве последней трети 19 - начала 20 века. Сложилось во французской живописи конца 1860 - начала 1870-х гг. (название возникло после выставки 1874, на которой экспонировалась картина К. Моне "Впечатление. Восходящее солнце").

Признаки импрессионистического стиля - отсутствие четко заданной формы и стремление передать предмет в отрывочных, мгновенно фиксирующих каждое впечатление штрихах, обнаруживавших, однако, при обзоре целого свое скрытое единство и связь. В качестве особого стиля импрессионизм с его принципом ценности "первого впечатления" давал возможность вести повествование через такие, как бы схваченные наугад детали, которые по видимости нарушали строгую согласованность повествовательного плана и принцип отбора существенного, но своей "боковой правдой" сообщали рассказу необычайную яркость и свежесть.

Во временных искусствах действие разворачивается во времени. Живопись как бы способна запечатлеть лишь один-единственный момент времени. В отличие от кино у нее всегда один "кадр". Как же в нем передать движение? Одной из таких попыток запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости была попытка создателей направления в живописи, получившего название импрессионизм (от франц. впечатление). Это направление объединило различных художников, каждого из которых можно охарактеризовать следующим образом. Импрессионист - это художник, который передает свое непосредственное впечатление от природы, видит в ней красоту изменчивости и непостоянства, воссоздает зрительное ощущение яркого солнечного света, игры цветных теней, пользуясь палитрой из чистых несмешанных красок, с которой изгнаны черное и серое. Струится солнечный свет, от влажной земли поднимаются испарения. Вода, тающий снег, вспаханная земля, колышущаяся трава на лугах не имеют четких, застывших очертаний. Движение, которое раньше вводилось в пейзаж как изображение перемещающихся фигур, как следствие действия природных сил - ветра, гонящего облака, колышущего деревья, теперь сменяется покоем. Но этот покой неживой материи - одна из форм ее движения, которая передается самой фактурой живописи - динамичными мазками разных цветов, не скованными жесткими линиями рисунка.

1. Зарождение импрессионизма и его основоположники

Формирование импрессионизма началось с картины Э. Мане (1832-1893) "Завтрак на траве" (1863). Новая манера живописи не сразу была принята публикой, обвинявшей художников в том, что они не умеют рисовать, бросают на холст краски, соскобленные с палитры. Так, неправдоподобными показались и зрителям, и коллегам-художникам розовые Руанские соборы Моне - лучшая из живописных серий художника ("Утро", "С первыми лучами солнца", "Полдень"). Художник не стремился представить на холсте собор в разное время дня - он состязался с мастерами готики поглотить зрителя созерцанием волшебных светоцветовых эффектов. Фасад Руанского собора, как и большинство готических соборов, скрывает мистическое зрелище оживающих от солнечного света ярких цветных витражей интерьера. Освещение внутри соборов меняется в зависимости от того, с какой стороны светит солнце, пасмурная или ясная погода. Одному из полотен Моне своим появлением обязано слово "импрессионизм". Это полотно действительно было крайним выражением новаторства появившегося живописного метода и называлось "Восход солнца в Гавре". Составитель каталога картин для одной из выставок предложил художнику назвать её как-нибудь иначе, и Моне, вычеркнув "в Гавре", поставил "впечатление". И несколько лет спустя после появления его работ, писали, что Моне "вскрывает жизнь, которую до него никто не сумел уловить, о которой никто даже не догадывался". В картинах Моне стали замечать тревожный дух рождения новой эпохи. Так, в его творчестве появилась "серийность" как новый феномен живописи. И она заострила внимание на проблеме времени. Картина художника, как отмечалось, выхватывает из жизни один "кадр", со всей его неполнотой и незаконченностью. И это дало толчок к развитию серии как последовательно сменяющих друг друга кадров. Помимо "Руанских соборов" Моне создает серию "Вокзал Сен-Лазар", в которой картины взаимосвязаны и дополняют друг друга. Однако соединить "кадры" жизни в единую ленту впечатлений в живописи было невозможно. Это стало задачей кинематографа. Историки кинематографа полагают, что причиной его возникновения и широкого распространения были не только технические открытия, но и назревшая художественная потребность в движущемся изображении, И картины импрессионистов, в частности Моне, стали симптомом этой потребности. Известно, что одним из сюжетов первого сеанса кино в истории, устроенного братьями Люмьер в 1895 г., было "Прибытие поезда". Паровозы, вокзал, рельсы и были сюжетом серии из семи картин "Вокзал Сен-Лазар" Моне, выставленных в 1877 г.

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) вместе с К. Моне и А. Сислеем создали ядро импрессионистского движения. В этот период Ренуар работает над развитием живого, красочного художественного стиля с перистым мазком (известным как радужный стиль Ренуара); создает множество чувственных ню ("Купальщицы"). В 80-е годы все более тяготеет к классической ясности образов в своем творчестве. Более всего Ренуар любил писать детские и юношеские образы и мирные сцены парижской жизни ("Цветы", "Молодой человек на прогулке с собаками в лесу Фонтенбло", "Ваза с цветами", "Купание на Сене", "Лиза с зонтиком", "Дама в лодке", "Всадники в Булонском лесу", "Бал в Ле Мулен де ла Галетт", "Портрет Жанны Самари" и многие другие). Для его творчества характерны светлые и прозрачные по живописи пейзажи, портреты, воспевающие чувственную красоту и радость бытия. Но Ренуару принадлежит следующая мысль: "В течение сорока лет я шел к открытию того, что королевой всех цветов является черная краска". Имя Ренуара синоним красоты и молодости, той поры человеческой жизни, когда душевная свежесть и расцвет физических сил пребывают в полной гармонии.

2. Импрессионизм в работах К. Писсарро, К. Моне, Э. Дега, А. Тулуз-Лотрека

Камиль Писсарро (1830-1903) - представитель импрессионизма, автор светлых, чистых по цвету пейзажей ("Вспаханная земля"). Для его картин характерна мягкая сдержанная гамма. В поздний период творчества обратился к изображению города - Руана, Парижа (Бульвар Монмартр, Оперный проезд в Париже). Во второй половине 80-х гг. испытал влияние неоимпрессионизма. Работал и как график.

Клод Моне (1840-1926) - ведущий представитель импрессионизма, автор тонких по колориту, напоенных светом и воздухом пейзажей. В серии полотен "Стога сена", "Руанский собор" он стремился запечатлеть мимолетные, мгновенные состояния световоздушной среды в разное время дня. От названия пейзажа Моне Впечатление. Восходящее солнце произошло и название направления - импрессионизм. В более поздний период в творчестве К. Моне появились черты декоративизма.

Творческому почерку Эдгара Дега (1834-1917) свойственны безупречно точное наблюдение, строжайший рисунок, сверкающий, изысканно красивый колорит. Он прославился свободно асимметричной угловатой композицией, знанием мимики, поз и жестов людей разных профессий, точными психологическими характеристиками: "Голубые танцовщицы", "Звезда", "Туалет", "Гладильщицы", "Отдых танцовщиц". Дега - прекрасный мастер портрета. Под влиянием Э. Мане перешел к бытовому жанру, изображая парижскую уличную толпу, рестораны, скачки, балетных танцовщиц, прачек, грубость самодовольных буржуа. Если произведения Мане светлы и жизнерадостны, то у Дега они окрашены грустью и пессимизмом.

Тесно связано с импрессионизмом и творчество Анри Тулуз-Лотрека (1864- 1901). Он работал в Париже, где рисовал танцовщиц и певиц из кабаре и проституток в своей особой манере, отличающейся яркими красками, смелостью композиции и блестящей техникой. Большим успехом пользовались его литографические плакаты.

3. Импрессионизм в скульптуре и музыке

Современником и соратником импрессионистов был великий французский скульптор Огюст Роден (1840-1917). Его драматическое, страстное, героически возвышенное искусство прославляет красоту и благородство человека, оно пронизано эмоциональным порывом (группа "Поцелуй", "Мыслитель" и др.) для него свойственна смелость реалистических исканий, жизненность образов, энергическая живописная лепка. Скульптура имеет текучую форму, приобретает как бы незаконченный характер, что роднит его творчество с импрессионизмом и в то же время позволяет создать впечатление мучительного рождения форм из стихийной аморфной материи. Эти качества ваятель сочетал с драматизмом замысла, стремлением к философским размышлениям ("Бронзовый век", "Граждане Кале"). Художник Клод Моне назвал его великим из великих. Родену принадлежат слова: "Скульптура это искусство углублений и выпуклостей".

Все берет свои истоки где-то в прошлом, в том числе и живописи менялись вместе с временами, а нынешние течения понятны далеко не всем. Но все новое - это хорошо забытое старое, и чтобы понять нынешнюю живопись, не нужно знать историю искусств с древнейших времен, достаточно только вспомнить живопись XIX и XX веков.

Середина XIX века - время перемен не только в истории, но и искусстве. Все, что было до: классицизм, романтизм и тем более академизм - течения, ограниченные определенными рамками. Во Франции 50-60-х годов тенденции в живописи задавал официальный Салон, но типичное «салоновское» искусство устраивало не всех, это и объяснило появившиеся новые направления. В живописи того времени произошел революционный взрыв, который порвал с вековыми традициями и устоями. И одним из эпицентров стал Париж, где весной 1874 года молодые художники-живописцы, среди которых были Моне, Писсаро, Сислей, Дега, Ренуар и Сезан, организовали собственную выставку. Работы, представленные там, совершенно отличались от салонных. Художники использовали другой метод - рефлексы, тени и свет передавались чистыми красками, отдельными мазками, форма каждого предмета как будто растворялась в воздушно-световой среде. Никакие другие направления в живописи не знали подобных методов. Эти эффекты помогали максимально выразить свои впечатления от вечно меняющихся вещей, природы, людей. Один журналист обозвал группу «импрессионистами», тем самым он хотел показать свое пренебрежение к молодым художникам. Но они приняли этот термин, и он в итоге прижился и вошел в активное употребление, потеряв отрицательный смысл. Так появился импрессионизм, непохожий на все остальные направления в живописи 19 века.

Поначалу реакция на новшество была более чем неприязненной. Слишком смелую и новую живопись покупать никто не хотел, да и боялись, ведь все критики не принимали импрессионистов всерьёз, смеялись над ними. Многие говорили, что художники-импрессионисты хотели добиться быстрой славы, их не устраивал резкий разрыв с консерватизмом и академизмом, а также незаконченный и «неряшливый» вид работ. Но отказаться от своих убеждений художников не смогли заставить даже голод и бедность, и они проявляли упорство до тех пор, пока их живопись наконец не признали. Но ждать признания пришлось слишком долго, некоторых художников-импрессионистов тогда уже не было в живых.

В итоге, зародившееся в Париже 60-х годов течение имело огромное значение для развития мирового искусства XIX и XX веков. Ведь будущие направления в живописи отталкивались именно от импрессионизма. Каждый последующий стиль появлялся в поисках нового. Постимпрессионизм породили те же импрессионисты, которые решили, что их метод ограничен: глубокий и многозначный символизм был ответом на живопись, «утратившую смысл», а модерн даже своим названием призывает к новому. Конечно, с 1874 года в искусстве произошло много перемен, но все современные направления в живописи так или иначе отталкиваются от мимолетного парижского впечатления.

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)

Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекция

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840-1926 гг.)

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье

3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)

Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru

Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье

4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье

5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж

Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название "импрессионизм", поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
2. Перестали использовать палитры для Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
3. Прекратили рисовать черным цветом.
4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизмсуществует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.